Zael von Mazon

Emmanuel Rodríguez Mazón / Zael von Mazon (Cidade do México, 1988) é um artista interdisciplinar formado pela Escola Massana (UAB, Espanha) e pela Faculdade de Arquitetura (UNAM, México), mais tarde profissionalizou os seus estudos na Old Academy of San Carlos ( UNAM) e noutras instituições. Beneficiário da concessão do ‘Programa de Acompanhamento 2020’ do Piso 16 – Laboratório de Iniciativas Culturais (UNAM) sob a orientação de Sofía Olascoaga e co-beneficiário da concessão PECDA CDMX durante 2017-2018.

Prémios e distinções: Terceiro prémio para aquisição na Décima Primeira Bienal de Puebla de los Ángeles (2017 – Puebla, Mx), menção honrosa no XXXVIII Encontro Nacional de Arte Jovem 2018 (Aguascalientes, Mx), menção honrosa na categoria de ‘Técnicas Alternativas’ em 2018 Concurso Internacional de Imagem do FINI Mx (Hidalgo, Mx) e selecionado na Segunda edição da Bienal de Santorini (2014) na Grécia. Selecionado como participante da residência ‘ReVisión Mestiza’ da Casa Báanal (México-Chile, 2019), com curadoria de Daniela González Díaz e incluído no catálogo ‘Somos criadores’ (2015), projeto da Chrysler México. Zael von Mazon teve duas exposições individuais e mais de 35 exposições coletivas no México, Alemanha, Brasil, Equador, Espanha, Estados Unidos, Itália e Grécia. Ele deu palestras no ‘My History of Art’ (programa nó da XIII edição do SIT_AC), na Old Academy of San Carlos, na Faculdade de Artes e Design (UNAM) e no Instituto de Arquitetura, Design e Arte (UACJ) .

@ The New Art Fest 2020

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Sandra Zuzarte

Sandra Zuzarte vive e trabalha em Lisboa e Aljezur.

Mestre em Arte Multimédia pela Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, desenvolve investigação em audiovisuais, particularmente em imagem estereoscópica, e percepção em dispositivos de simulação imersiva. Tem estudos em Design, Fotografia, Pós-Produção de Vídeo e Desenho em instituições como o IADE, AR.CO, Etic e a SNBA, Sociedade Nacional de Belas Artes.

Tem vindo a desenvolver projectos de Arte Multimédia a solo e em colectivos como Pogo Teatro, Variz Record Label ou Festival Número, onde ganhou o prémio Multimédia’06.

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Sam Heydt

SAM HEYDT (Estados Unidos da América, 1986), trabalha com diferentes tipos de media – filme, vídeo, instalação, fotografia, escultura, som e texto. A obra de Heydt apresenta uma proposta abstrata para um mundo na periferia da história, que não parece apenas assombrado pelos fantasmas do passado, mas também construído num mundo assombrado.

Sam Heydt, é um artista americana de prática social e meios de comunicação reciclados da cidade de Nova Iorque. Apesar de residir actualmente em Viena, Heydt viveu/trabalhou em Paris, Veneza, Amesterdão, Atenas, Buenos Aires, Sydney, Reykjavik e Rajasthan.

É licenciada em belas artes pela Parsons School of Design, bem como em estudos de comunicação social pela The New School, Cooper Union, e Universidade de Amesterdão e, por último, em linguística pela Universidade de Buenos Aires e La Sorbonne.

Depois de completar os seus estudos, lançou Jane Street Studio, L.L.C. em Manhattan. Desde a sua fundação, a empresa expandiu-se para prestar consultoria de design e marketing, para além de fotografia e direcção de arte. Os seus clientes estendem-se pela Europa, América do Norte e do Sul, Ásia e Oceânia. Assegurando este empreendimento empresarial, Heydt passou a frequentar residências artísticas na Islândia, Austrália e Nova Zelândia; onde começou a documentar a exploração do mundo natural.

Autora publicada, produtora e activista ambiental e social ao longo da vida, Heydt realizou uma série de trabalhos altruísticos, sem fins lucrativos – sendo o mais recente em Rajasthan, Índia, onde ajudou a produzir um documentário de longa-metragem sobre prostituição infantil. Ela também é voluntária no ensino de refugiados na Europa. Ancorada na defesa social, a sua arte tenta dar voz aos velados, aos esquecidos, aos exilados, aos condenados e aos silenciados.

A visão de Heydt olha para além do normal. Na sua prática, ela trabalha num espectro de diferentes meios – filme, vídeo, instalação, fotografia, escultura, som, merchandising, texto – e emprega uma gama de materiais que muitas vezes reinventam ou invadem a sua utilização associativa. Considerada como uma das pioneiras do movimento dos meios de comunicação reciclados, o trabalho de Heydt tem sido exibido em todo o mundo em galerias [Kunstkomplex, Faena, Milk Gallery, Fundação Gabarron, Das Weiss Haus, Queen Street Gallery, Broadway Gallery, Noelle Lopez Gallery], museus [State Hermitage Museum Russia, PERM Museum, Newport Art Museum Krasnoyarsk Museum, Museum of Novosibirsk], e feiras de arte [Art Basel, Scope, I Never Read, Artissima, Art Cologne, Art Miami, Art Copenhagen, Fridge Art Fair, Clio Art Fair, Vienna Contemporary, 5th Biennale of Fine Art, Argentine Biennale]. Os projectos e prémios notáveis incluem: Aesthetica Art Prize, London Group Open Art Prize, LACDA, Call for Chelsea, PX3 Prix de la Photographie, ImagoRevolution, LICC, Celeste prize. Além disso, os filmes de animação directa da Heydt também foram exibidos em centenas de festivais internacionais [SxSW, Video Art Miden, Traverse Video, Cefalu Film Festival, Proseco de Error].

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Robert Jarvis

ROBERT JARVIS começou sua carreira como musico profissional em 1985 como trombonista, tocando em diversos espaços. Isto logo se transformou em trabalho de projeto onde o foco seria a criação de uma composição musical, muitas vezes através da colaboração com outras formas de arte, e eventualmente este trabalho levou ao recebimento do Prêmio Compositor-Em-Educação da The Performing Right Society.

No final dos anos noventa, Robert começou a fazer uso de sons encontrados na sua música, integrando-os na sua partitura musical; no entanto, só em 2003 é que teve a ideia de uma abordagem mais do tipo instalação das suas composições.

Estas peças foram bastante bem sucedidas e levaram a dois diferentes “British Composer Awards”, bem como a um convite do British Council para criar uma nova obra em Chongqing, China. Em 2007 foi premiado com uma residência no The Hannah Peschar Sculpture Garden, em Surrey, o que, por sua vez, levou a uma série de outras peças concebidas para espaços exteriores específicos do local, bem como a um novo corpo de trabalho que foi desenhado a partir de dados científicos recolhidos a partir de processos naturais, levando ao reconhecimento através do ‘The PRSF New Music Award’.

Hoje em dia, Robert continua a explorar novos métodos de criação musical, tentando cimentar a sua reputação para composições sedutoras de novas apreciações do nosso ambiente quotidiano. Quando não cria ou instala, Robert ainda pode ser ouvido regularmente tocando seu trombone.

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Red Rubber Road

RED RUBBER ROAD é numa dupla de artistas (AnaHell e Nathalie Dreier) com sede em Berlim/ Zurique, focados em explorar e criar auto-retratos. As fotógrafas AnaHell e Nathalie Dreier são as próprias protagonistas neste projeto de auto-retrato, que documenta o relacionamento das mesmas, ao longo dos anos. As imagens retratam os corpos de ambas, num poderoso abraço do incomum e do carnal, misturando-se um ao outro e ao seu redor, sem nunca revelar totalmente as suas identidades.

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Nenad Nedeljkov

Nenad licenciou-se pela  Academia de Artes de Novi Sad, Sérvia, curso de arte, departamento pintura, em 1998.

Pós-graduado / M.A./ em estudos interdisciplinares no Departamento de Arte Digital da Universidade de Artes de Belgrado, Sérvia, em 2008.

É membro da Associação Sérvia de Artistas.

 

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Margarida Sardinha

Margarida Sardinha é artista e realizadora de filmes experimentais que nasceu em Lisboa – 1978. 

Estudou, viveu e trabalhou em Londres durante dez anos, frequentou Fine Art Combined Media em Central Saint Martins e no Chelsea College of Art and Design.

A sua prática cross-media compreende instalação site-specific, filme, animação, performance e fotografia digitais que são por definição trabalhos abstractos e geométrico-cinéticos. O seu principal intento é a produção de ilusões de óptica sobre o espiritual na arte, usando assim conceitos paralelos dentro da literatura, filosofia, religião comparativa, ciência, cinema e arte. Ao aplicar essas percepções ela pesquisa estágios espirituais/psicológicos de consciência e relaciona-os com ciclos de crescimento individual ou universal.

Destaca os projectos Oxymoron Tiling – Azulejo Oxímoro 2019, Wave-Particle HyperLightness 2018 e também a exposição individual Hyperbolic Hyparxis 2017 na Faculdade de Ciências da Universidade de Lisboa; quatro exposições individuais de Symmetry’s Portal (2014-16) e Darkness Reflexions (2003-4) respectivamente expostas no Carousel-London em Londres, no Centro Ismaili da Fundação Aga Khan em Lisboa, na Casa de Cultura Jaime Lobo e Silva na Ericeira e na Casa Museu Fernando Pessoa em Lisboa. Uma selecção de trabalhos da série Symmetry’s Portal na Capela do Solar dos Póvoas no âmbito do Simpósio Internacional de Arte Contemporânea da Guarda; e foi convidada a expor Loop Log no Ciclo de Máquinas para o Fim do Real na Galeria Square Waves, Ericeira. Participou também no New Art Fest ’17 como artista convidada com uma instalação e o filme da série Hyperbolic Hyparxis. No The New Art Fest ’16 com organização da Ocupart e curadoria de António Cerveira Pinto apresentou o filme de animação digital London Memory multi+city no Web Summit e no Museu de História Natural e ainda o filme Knotwork no espaço montra Fabrica Features no Largo Camões em Lisboa. Em Novembro de 2015, Margarida Sardinha foi convidada para integrar a exposição colectiva de arte digital “Reflections” na Opera Gallery em Londres com curadoria de Neil McConnon.

Em 2013, venceu o prémio “Best Cinematic Vision Award”, em Londres, com o filme London Memory multi+city, em 2012 o filme HyperLightness ad absurdum  valeu-lhe o prémio de Melhor Filme Experimental do Hollywood Reel Independent Film Festival, Hollywood, USA, do Great Lakes Film Festival, do Creative Arts Film Festival & Bridge Fest (Vancouver) e Best Spiritual & Religious Film no Directors Circle Film Festival; ainda ganhou a Menção Honrosa no 23rd New Orleans Film Festival e os Prémios de Mérito no Lucerne International Film Festival, The Indie, The Accolade and Rochester International Film Festival. HyperLightness ad absurdum foi Selecção Oficial de mais de 20 festivais no mundo inteiro tais como: Revelation Perth International Film Festival, San Francisco Frozen Film Festival (nomeado para Best Experimental Film), 10th In the Palace International Short Film Festival, Take Two Film Festival em Nova Iorque, MIA@TheArmory, Beam Festival, 5th Columbia Gorge International Film Festival, MIX on Transmedia Writing and Digital Creativity, 7th International Streaming Festival, Denver Underground Film Festival, New Jersey Film Festival, Rockland Shorts International Series, Gold Lion Film Festival, Magmart Film & Video Festival.

Foi selecionada para “Pan-Demonium” no AC Institute [Direct Chapel] em Nova Iorque com “HyperSelf Light Dance”; selecionada para Red Bull Music Academy Showcase em Londres com ”They had a whole army sitting on their door step (…) Gil Vicente and “I detest your views but am prepared to die for your right to express them (Voltaire)”; selecionada para a Bienal Jovens Valoures 2009 na Galeria Vieira da Silva com “The Master”.

Margarida foi também uma das fundadoras do colectivo de artistas baseado em Londres – pARTart – e a curadora da sua exposição “London Recycled” na Menier Chocolate Factory incluindo 22 novos trabalhos desses artistas baseados em Londres representando dez práticas artísticas diferentes e onze nacionalidades diferentes. A exposição e os seus eventos colaterais exploraram o multicuralismo e multidisciplinariedade Londrina. Através dos eventos colaterais de angariação de fundos, Margarida fez performance de Vjing em vários locais do East End de Londres acompanhando as performances de bandas de música emergentes convidadas. Durante um ano ela criou as condições necessárias para estes artistas criarem novo trabalho revendo a sua perspectiva individual cíclica da experiencia da vida Londrina tronando-a num espelho colectivo da cidade e cena artística.

Ela ganhou o Prémio de Jovens Criadores do Ministério da Cultura e do Grupo Artes e Ideias em 1999 com a instalação de luz “Projected Movement”.

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Lina Dovydenaite

Lina Dovydenaite nasceu na Lituânia em 1991, logo após o colapso da União Soviética. Em 2010, começou a estudar arquitetura. Durante seus estudos começou a trabalhar com arte interdisciplinar, principalmente land art. Com o objetivo de criar uma arte espontânea baseada na natureza, enfatizando o processo.

Licenciou-se pela Vilnius Fine Arts Academy em 2015, com o projeto “Centro de Crise de Suicídios para pessoas que tentaram suicídio”.

Seu trabalho contém tópicos de reinvenção e experimentação. Procura referências e conceitos únicos e desafiadores, com o objetivo de transformá-los em um edifício e um ambiente que funcione, inspire pessoas, cure pessoas e crie comunidades.

Depois de se formar em arquitetura, trabalhou e fez estágios em Vilnius e Bangkok.

Em 2018, juntou-se à equipa de arquitetos Helen & Hard em Stavanger. Estudou mestrado na Bergen School of Architecture.

Posicionaa-se confidêncialmente entre as diferentes disciplinas do ambiente humano construído, a arquitetura, arte ambiental e desenvolvimento comunitário participativo.

O trabalho de Miss Dovydenaite apresenta um alto nível de responsabilidade social e uma ampla gama de habilidades profissionais, trabalhando simultaneamente em uma variedade de escalas arquitetônicas, desde a intervenção específica no local em escala 1: 1 até o planeamento participativo complexo e o micro-urbanismo. Seu trabalho é baseado em estudos completos das complexas camadas sociais locais e do papel do arquiteto como ativista da comunidade e intérprete de uma consciência coletiva mais ampla.

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Rodrigo Gomes

Rodrigo Gomes, Faro, 1991. O seu trabalho centra-se na relação da escultura com a arquitetura, criando relações físicas e digitais através de conteúdos gerados por computador e sistemas de ‘machine learning’. Participou em exposições coletivas e individuais tais como, 19th Media Art Biennale WRO (Polónia, 2021), Alternative Film/Video Festival em Belgrado (Sérvia, 2020), Video Art Miden Festival (Grécia, 2020), Satellite Art Show NYC (EUA, 2019), 18th Media Art Biennale WRO em Wroclaw (Polónia, 2019), CosmiX III Incantation em Paris (França, 2019), “Depois do Estouro” Galeria Municipal do Porto (Portugal, 2019), “Aspekt! Aspekt!” no WRO Art Center (Polónia, 2019), “Entre as pedras há verde” Ocupart (PT, 2019), “Mamografias por Satélite” The Room (PT, 2019), “Como depositar imagens no banco” Appeton Box (PT, 2018), “The New Art Fest” na Sociedade Nacional de Belas Artes (PT, 2018) e Prémio Sonae Media Art no Museu Nacional de Art Contemporânea (PT, 2017). Em 2021 recebeu o prémio D-Normal V-Essay Floating Points Award (Hong Kong), em 2020 o Black Raven Award do The New Art Fest, em 2018 os Prémios Novos na categoria de Artes Visuais e em 2017 o prémio Sonae Media Art. Em 2019 foi bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian para produção internacional e recebeu o prémio de mérito – Jovem Revelação pelo Município de Silves.

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Mateus Domingos

Mateus Domingos é um artista / escritor baseado em Leicester, Reino Unido. Licenciado em Belas Artes pela Universidade de Loughborough.

Membro fundador e co-diretor da galeria de artistas e do estúdio de Leicester, Two Queens. Como membro do Phoenix Interact Labs, dirige o projeto de publicação Bruise.

Interessa-se por texto, narrativa e uso de novos espaços digitais.

Seu trabalho inclui jogos, impressão 3D, alfabetos fictícios, mapas e cinema. Em 2012, representou o Reino Unido em Maribor, a Capital Europeia da Cultura e foi nomeado como o Jovem Artista para os Eventos Mundiais.

Exposições recentes incluem: Two Queens, Leicester; Universidade Phoenix & De Montfort, Leicester e Pintores Modernos, Novos Decoradores, Loughborough.

Paralelamente à sua prática artística, é produtor do programa de artes digitais em Phoenix, Leicester. Trabalha com oportunidades de desenvolvimento de artistas e hospeda uma série de encontros explorando as práticas das artes digitais.

Colabora com Nathan Bissette, da Suécia, sob o apelido de Dead Hand, para produzir som, música e transmissões. Recentemente, lançaram um livro de partituras e começaram a produzir um podcast experimental.

@ The New Art Fest 2020

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